Sara Purgatorio AMC ADoP AIC realizó la fotografía de la película Blue Kids, dirigida por Andrea Tagliaferri.
- ¿Qué cámara utilizaste para la producción y con qué lentes?
- Sara Purgatorio: En la realización de la película Blue Kids utilicé la cámara Arri Alexa Mini combinada con una serie de lentes Zeiss High Speed T 1.3. El próximo 30 de mayo será presentada en selección oficial en Hungría, en el Zsigmond Vilmos Film Festival, dedicado a directores de fotografía.
- ¿Qué iluminación ocupaste?
- Sara Purgatorio: Mi propuesta estética se construye alrededor del uso de la luz natural y de cómo buscar una visión pictórica a través de ella. Los ambientes exteriores tenían que exaltar una belleza estática, casi monumental, como si fueran dibujada alrededor de los personajes. Y por ser tal, a describir una atmósfera fría poco acogedora, en la que los protagónicos son muy estilizados. En las escenas de día, la luz artificial tenía que respetar la atmósfera y la belleza de la luz natural y moldearse a favor de y en fusión con la luz natural. Utilicé HMIs de diferentes tamaño y pequeños tungstenos. Para las noches ocupé un paquete de luces LEDs de diferentes tamaños y con la posibilidad de batería portátil, ya que teníamos que ser ligeros y prácticos en los exteriores. En las noches quise que se definieran de manera más marcada los tonos cromáticos y los contrastes. La luz artificial toma vida en el encuadre como una composición gráfica, en donde la obscuridad y las sombras son parte dominante de la imagen.
- ¿Utilizaste estabilizadores?
- Sara Purgatorio: Sí, el estabilizador MOVI 15 con auxilio del TILTAMAX. Yo fui la operadora.
- ¿Qué tono dramático buscaste en el tratamiento de imagen?
- Sara Purgatorio: Mi propuesta fotográfica fue pensada, antes de todo, mirando a los personajes y a su relación con los ambientes en los que se describe la historia de la película. Los personajes tenían que ser muy estilizados, moviéndose en contextos que para ellos no tenían consistencia. El resultado visual retrata los ambientes de manera muy pictórica. No hay una fotografía descriptiva, los espacios toman forma casi como dibujos alrededor de los personajes. Esta impostación fotográfica tenía que lograrse lo más que se pudiera con luz natural. La realidad en la que se mueven los protagónicos es una realidad ficticia, mental, casi una visión de ellos. Por su manera de actuar en la vida, los protagónicos parecían suspendidos en una dimensión aislada de la realidad cotidiana, por esto la estética de la película se construye con una atmósfera fotográfica que sigue una composición gráfica en el encuadre. Las atmósferas son frías, los ambientes son fondos que se desvanecen atrás de los personajes. La profundidad de campo se reduce y los espacios pierden definición. A la vez estamos muy cerca de los protagónicos con un punto de vista que quiere evidenciar la intimidad que hay entre ellos, con pocos gestos se entienden, casi no hay diálogos, todo esta como congelado en sus mentes en un tiempo y espacio suspendidos. En la noche los tonos negros y los colores se llenan de profundidad y crean firme contraste y una imagen gráfica marcada. Es una historia dramática. Las sombras al igual que los contrastes tienen un peso narrativo importante para la estética de la película.
- ¿Técnicamente, que configuración utilizaste para conseguir ese tono dramático?
- Sara Purgatorio: Para conseguir este tono dramático pensé en combinar una cámara que me diera la posibilidad de gozar de una amplia latitud de luz y una gama color con buena profundidad de textura, junto con lentes muy luminosos como los Zeiss High Speed T 1.3, que además de ofrecer una muy buena luminosidad y dar la posibilidad de aprovechar la belleza de la luz natural, también mantienen un look vintage que me agradaba mucho para la imagen de esta película.
- ¿Te involucraste en el proceso de etalonaje (corrección de color) y cómo?
- Sara Purgatorio: Sí, yo creo que el trabajo de un director de fotografía termina cuando acaba la película. O sea, es muy importante estar presente en la etapa de postproducción, no solo por lo que define la corrección de color sino por todo lo que implica la finalización de la imagen de la película en razón de una coherencia estética y calidad del resultado cinematográfico. Así que desde el principio, una vez establecida la estética de la película junto con el director Andrea Tagliaferri, decidí trabajar en el set con un LUT creado con el colorista Angelo Francavilla. Pensé también en usar mi LUT como referencia porque sabía que siendo una película de bajo presupuesto, seguramente luego no habría tiempo ideal para las etapas de post y corrección de color. Al tener un LUT en el set, se establece un look de referencia, adelantando un poco de trabajo. Hacerlo así ayuda a conseguir rapidez y mayor precisión de lo que se quiere en post y corrección de color. El método me permitió contar con tiempo de reflexión antes de empezar a filmar. En cada escena tenía la posibilidad de ver la imagen con una propuesta avanzada. Tener un LUT en el set me ayudó igualmente a mantener una coherencia fotográfica, importante considerar que teníamos muchos ambientes muy diferentes entre ellos. Pude encontrar la justa medida y continuidad en cuanto a relación de contraste y paleta color.
- ¿Qué recomendaciones puedes dar para el buen manejo de la cámara Arri Alexa Mini combinada con una serie de lentes Zeiss High Speed T 1.3?
- Sara Purgatorio:Cada vez que se enfrenta un proyecto, siempre es muy importante hacer pruebas de cámara, de combinación de equipo y de look para luego dominar bien los resultados en las diferentes situaciones de rodaje. En cuanto a la cámara, en el caso de la película ‘Blue Kids’ no pude aprovechar aún la versión en RAW, así que grabé en 3.2K. Aún así tuve un muy buen resultado, gracias también a una buena preparación en la búsqueda de location y claridad de visión en cuanto a estética. Ess importante definir desde un principio los elementos visuales que llevan la atmósfera fotográfica de la película, y a ella sumar un LUT adecuado, pensando también en la combinación de equipo que se use. En cuanto a los lentes Zeiss considero que son lentes muy buenos, muy luminosos y de buena textura. Ya que los Zeiss High Speed T 1.3 son lentes viejos, quizá sea mejor siempre checar los grandes angulares. En el paquete de los Zeiss High Speed hay un 18mm, es muy bueno para profundidades de campo cortas. O deben olvidar que cuando se pone el foco en el fondo se pierde bastante definición y la imagen asume un carácter borroso, sobre todo en la parte central. Es recomendable subir un poco el diafragma, ayuda a esculpir en profundidad la imagen. También combinar la serie con otros lentes gran angular apropiados.
- ¿El reto mayor para ti como cinefotógrafa de esa producción?
- Sara Purgatorio: Cuándo se enfrentan producciones de bajo presupuesto , el reto es constante. Hay que tener una postura elástica en vision de posibles cambios repentinos en cuanto a producción y realización. Esto se vuelve con el tiempo un muy buen ejercicio en lo que comprendo también la importancia de la cinematografía en su cualidad dramática y narrativa en el renovarse cada vez para expresar lo más fiel que se pueda la historia que se esta contando, sus personalidades con sus aciones y así crear el sabor de la película. Lo más difícil en una producción independiente es mantener una coherencia estética a lo largo de toda la película justo porque no siempre hay a disposición lo que quieres y necesitas. Cada vez hay que renovarse y resolver situaciones para que siga mantener una misma atmósfera que contribuye a definir el sabor y el alma de la película. Si hay pocos recursos, seguramente la creatividad tiene que ganar, esto es lo difícil y lo divertido al mismo tiempo.
